EME Experimental Illustration, Art & Design

Editorial

2024-05-31T11:26:07+02:00

Editorial del duodécimo número de Eme Magazine

Trampolín: el diseño como herramienta de transformación social

2024-05-30T15:23:38+02:00

Entrevista a Yvette García y Javier La Casta Vilar, creadores de Trampolín, una plataforma creativa inclusiva que emplea la metodología y el pensamiento en diseño para elaborar proyectos sociales en torno a la creatividad. Su objetivo es ayudar a empresas, entidades y colectivos a avanzar hacia nuevos modelos de colaboración creativa centrados en las personas.

Sentir el duelo

2024-04-17T13:19:38+02:00

Este trabajo presenta parte del proceso creativo basado en la aplicación del operador técnico de disponibilidad, concepto que aplica Vinciane Despret para referirse a la manera en que los vivos tienen de dar espacio (efectividad) a los muertos en el transcurso de sus vidas. A partir de su identificación en los trabajos Diario de duelo de R. Barthes, Filosofía en días críticos de C. Maillard y Ritual de duelo de I. de Navera, el autor aborda su propio proceso de duelo desde la práctica del dibujo.

Se expondrá un procedimiento autogenerativo que entiende el dibujo como un modo de ordenamiento de emociones convulsas. Como dibujo emocional, pretende servir para dejar los pensamientos en segundo plano y ejercitar la subjetividad a partir de la gestión de los sentimientos, consiguiendo que se potencie su autonomía en procesos mentales delicados.

Para sostener la coherencia, este texto está producido desde una redacción afectiva que convive con la literatura académica, con la intención de reclamar un espacio a las emociones en los ámbitos académicos, especialmente cuando se aborda desde las artes temas relativos a la salud mental.

Del invierno de la IA al verano de la lucha por nuestros derechos de autoría

2024-01-16T20:50:15+01:00

Las dos caras del mismo canto

2024-05-30T15:53:37+02:00

Diseño gráfico para proyectos educativos: El Carnaval Literario de Gençana

2024-02-19T11:32:44+01:00

El Carnaval Literario es un evento anual del Centro Educativo Gençana en Godella, València, que en su 35ª edición este 2024, sigue enriqueciendo la experiencia educativa a través de la creatividad y el contacto directo con autores y artistas. Cada edición se centra en un tema desde el inicio del curso, culminando en una semana de encuentros y actividades que promueven el disfrute de aprender. El diseño gráfico juega un papel clave en la comunicación de estas experiencias, con la creación de programas, exposiciones y material visual que reflejan la esencia de cada Carnaval. La publicación del programa de actividades ha evolucionado a lo largo de 30 años, paralelo a la carrera profesional del diseñador gráfico autor del artículo, destacando colaboraciones con importantes profesionales de la ilustración y la experimentación de nuevas formas y técnicas. Esta práctica no solo ha producido materiales didácticos y promocionales significativos sino que también ha contribuido a la memoria colectiva y cultural del centro.

Florencia Gavilán

2024-05-30T16:12:45+02:00

Perfil de la ilustradora Florencia Gavilán

El origen de las formas: materiales para una investigación en artes

2024-02-20T17:46:04+01:00

El propósito de este artículo es ensayar, hacer experiencia de conocimiento, a partir de la exposición El origen de las formas (EOF), de Cristina Garrido, comisariada por Tania Pardo en el Museo CA2M, en Móstoles, en verano de 2023. El escrito parte de una descripción del marco contextual que supone concebir esta exposición como estudio de caso, un dispositivo de conocimiento que deconstruye los discursos de los “grandes maestros de la pintura occidental” y coloca en el centro la biografía de la propia artista como parte del binomio para pensar la creación-emoción. Pasa después a especular mediante diversas estancias puestas en juego, la relación con el dispositivo artístico EOF, mediante materiales propios, creados para este artículo de investigación, basados en la práctica artística (ver figuras 1 a 5). Finaliza con una reflexión sobre el uso del lenguaje, su materialidad y espacialidad en EOF. Especulaciones puntuales de Doreen Massey (sobre el espacio-tiempo) y de Arlette Farge (sobre el archivo) servirán para apoyar algunas de las ideas de este estudio.

Tecnología que preocupa: de la IA a Gutenberg

2024-03-27T10:40:06+01:00

Existe una preocupación evidente sobre las consecuencias que la aparición de la Inteligencia Artificial tendrá sobre el trabajo de diseñadores y creativos en general. Este artículo plantea abordar el problema con una perspectiva histórica que nos permita recorrer hechos del pasado que pudiéramos definir como homólogos o equivalentes.

La robótica como sustitutoria de trabajos humanos, los ordenadores dotados de herramientas de diseño dando lugar al arte digital, la fotografía irrumpiendo en un mundo en que la imagen se construye tan solo mediante la pintura o el grabado, o muy especialmente, la imprenta de tipos móviles, que permite la multicopia en un mundo de copistas controlado por la iglesia, tuvieron en su momento detractores que alertaron de los peligros de su adopción. Solo el paso del tiempo ha permitido conocer su impacto en la humanidad, y esclarecer si las preocupaciones que despertaron estaban o no justificadas.

Analizando qué sucedió en su momento, e intentando encontrar similitudes con el suceso actual de implementación de la IA, quizá podamos esclarecer qué esperar , o, sobre todo, qué vigilar, ante un hecho como este. Saber si debemos estar o no preocupados.

Arte, género y sociedad en la trayectoria creativa de Monika Buch

2024-02-15T12:31:53+01:00

El escaso reconocimiento de las mujeres en el ámbito artístico ha dado como resultado un legado cultural incompleto. Este artículo se centra en una de esas mujeres, Monika Buch. Valenciana de nacimiento con raíces germanas, fue la única estudiante española que formó parte de la Hochschule für Gestaltung / HfG Ulm. Para narrar su biografía hemos contado con la propia protagonista y para entender su obra hemos estudiado el marco socio-político en el que vivió: España (II República, Guerra Civil, franquismo), Alemania (post II Guerra Mundial) y Holanda (inicio de la segunda ola feminista). Todo ello sin dejar al margen los roles y estereotipos de género a los que tuvo que enfrentarse.

Este est¡tudio tiene como fin contribuir a completar un vacío historiográfico, y de esta manera crear una narrativa más justa y equitativa, que sirva de referente para generaciones futuras.

La evolución del diseño posmoderno y su reflejo en la marca-país de España (1980-1992)

2024-02-29T14:45:57+01:00

El artículo analiza la evolución del diseño posmoderno en España y su influencia en la construcción de la marca-país, popularmente conocida como el «sol de Miró». En los años del franquismo, España había ocupado una posición generalmente periférica respecto a la modernidad, pero la transición hacia la democracia trajo consigo un ambiente de libertad y marcó el inicio de una explosión creativa. Este periodo de transformación cultural se caracterizó por una actitud de protesta y la búsqueda constante de enfoques innovadores. Los argumentos a favor del «buen diseño» perdieron relevancia frente a una estética de «antidiseño» que rechazaba lo formal y lo conceptual, alejándose del Estilo Internacional que había dominado previamente. Los límites entre el diseño y el arte se fusionaron, considerando al diseñador como un artista en sí mismo. En este contexto, nace la imagen de España como destino turístico, convirtiéndose en un hito en el mundo del diseño gráfico y dejando una profunda huella en la promoción de destinos turísticos a nivel mundial.

El objetivo principal de este artículo es explorar la relación entre el diseño posmoderno en España y la creación de su marca-país. Este estudio proporciona un análisis del movimiento posmoderno en el diseño, evalúa los elementos que contribuyeron a la formación de la imagen de marca de España e investiga la relevancia del «sol de Miró» y su influencia en el diseño de otras marcas.

La ilustración editorial: de los códices iluminados a la actualidad

2024-02-15T12:41:56+01:00

El texto presenta un recorrido por la historia de la ilustración editorial desde la Edad Media hasta nuestros días que reflexiona, a través de destacados autores del sector, acerca de la importancia de la disciplina, sobre su relación con la escritura, con el arte, con la creatividad y con el conocimiento, así como sobre algunas de las técnicas más comunes que se emplean para componer ilustraciones, tanto en la actualidad como en el pasado. Además, se analiza el valor expositivo y documental de la ilustración editorial.

La nueva era de la reproductibilidad artística

2024-01-30T15:38:32+01:00

El artículo contextualiza la era de la reproductibilidad técnica, descrita por Benjamin, con la nueva era de reproductibilidad artística generada por la inteligencia artificial. Se destaca la interacción creciente entre artistas y tecnología, presentando ejemplos concretos de artistas que utilizan inteligencia artificial. Además, se enfoca en los desafíos que surgen en la concepción artística de la creatividad, originalidad y autoría de una obra de arte. Se busca establecer marcos de atribución y valoración en este contexto, protegiendo los derechos de los artistas humanos y preservando la autenticidad en un panorama artístico diversificado subrayando la importancia de adaptarse constantemente para evitar que la innovación tecnológica menoscabe la esencia y reconocimiento de la creatividad humana.

Propuesta de metodología para la enseñanza del Dibujo de Figura Humana en la formación universitaria de Bellas Artes

2024-01-18T15:55:12+01:00

En la enseñanza universitaria del dibujo de figura humana actual se utilizan metodologías de aprendizaje y trabajos de estudios heredados de la formación clásica. Sin embargo, éstas no siempre conectan con el estudiantado actual, que está sujeto a una realidad compleja fruto de la sobreestimulación producida por las redes sociales, que, a su vez, afecta a sus capacidades de concentración, gestión de la frustración y continuidad en el aprendizaje.

Ante ello, el estudiantado puede encontrar dicha frustración a través de la repetición de ejercicios sin conocer los objetivos específicos de cada uno de ellos.

Dada esta realidad, creemos que es necesario replantear el modelo docente en la enseñanza del dibujo de la figura humana. Por ello, vamos a plantear un modelo docente organizando la aproximación al dibujo de la figura humana consistente en tres fases: profundización en los fundamentos del dibujo de figura humana, estudio de la anatomía humana, y dibujo de la figura humana desde la memoria.

Para ello utilizaremos ejemplos reales obtenidos en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco (UPV/EHU).

Pieles, corazas y caparazones: la arquitectura y sus ruinas modernas en la construcción de la identidad de A Coruña

2024-01-18T15:51:06+01:00

La fachada, esa suerte de piel arquitectónica, adopta multitud de formas y es en este marco donde la arquitectura dialoga entre el lugar, la identidad y la historia. Por consiguiente, la ciudad no debe abordarse únicamente desde una dimensión física, sino que es fundamental incorporar la experiencia de quienes la habitan. En este sentido, la fotografía no solo invita a ver la ciudad desde una perspectiva histórica, sino que también permite ofrecer una representación personal e intencionada de esta con la que poder acceder a una subjetividad expresiva. Así, a través de una serie de fotografías de diversas edificaciones podemos no solo contemplar la transformación urbana y social de A Coruña en el siglo XX, sino también proponer un acto de reinterpretación y resignificación de espacios arquitectónicos con carga histórica y simbólica.

Ilustrando la ética maker: proceso experimental colaborativo en una neoartesanía

2024-01-24T14:20:27+01:00

Implementar los principios de la ética y cultura maker en situaciones de aprendizaje colaborativo presencial en aulas universitarias convencionales de diseño, supone una oportunidad para repensar la importancia de los vínculos interpersonales ligados al uso humano de la tecnología en dinámicas de creación en contextos postpandemia. En este estudio convergen la visualización de dichos fundamentos proyectuales con la fabricación digital al servicio de la recuperación y valorización del conocimiento artesano de elaboración de baldosas hidráulicas. Así, se constituye una comunidad de práctica que interpreta gráficamente ocho conceptos; hacer, compartir, aprender, equipar, participar, jugar, apoyar y cambiar, para plasmarlos posteriormente en los productos resultantes, impregnando a su vez el propio proceso de experimentación colectiva. Además de incentivar la participación, el codiseño, la diversidad de soluciones gráficas, la autoorganización y búsqueda de consensos, se generaron recursos visuales y objetuales en abierto, disponibles para su uso y adaptación, fomentando la transmisión cultural.

Autoras contemporáneas en el cómic español. María Medem, Ana Galvañ, Marta Cartu y Miriam Muñoz

2024-01-30T15:24:51+01:00

El cómic de autoras femeninas se ha incrementado a lo largo de los últimos años en el panorama español y, su desarrollo expresivo y visual, se ha visto impulsado gracias a las editoriales e imprentas especializadas en dar visibilidad y soporte a este tipo de publicaciones. Y es, en el mercado de cómic para adultos, donde han ganado en popularidad, evolucionando de la autoedición de fanzines alternativos con pequeñas tiradas, a ocupar los primeros puestos en las librerías españolas. Las redes sociales como Tik Tok e Instagram, han contribuido a su difusión e impacto entre un público juvenil e internacional.

Partiendo de los escasos estudios académicos publicados sobre autoras de cómic contemporáneo español, se ha considerado realizar una investigación enfocada en la obra gráfica y trayectoria profesional de las autoras María Medem, Ana Galvañ, Marta Cartu y Miriam Muñoz. El estudio tiene como objetivo principal, el análisis comparativo de la obra gráfica de las autoras, así como de sus influencias estéticas y técnicas visuales utilizadas que demostrará, a modo de conclusión, el impacto e influencia en la narrativa gráfica española, en la actualidad.

Papel y color natural. Técnica y procesos en la producción artística sostenible a partir de la materia vegetal

2024-01-30T15:50:36+01:00

La manufactura del papel como soporte es una actividad que participa en el proceso artístico y creativo y que por tanto puede guiarnos, convirtiéndose en metodología. Vinculada con el estudio y renovación de técnicas y materiales alternativos, el impulso en la actualidad de una integridad sostenible en la producción artística es objeto de investigación y ensayo desde la Universitat Politècnica de València. En este artículo, partiendo de algunas materias primas vegetales, se modulan los procesos creativos en la obtención de colorantes y la fabricación artesanal del papel a través de un enfoque físico/experiencial en el entorno natural del que proviene el material, subrayando los principales avances realizados por esta línea desde su carácter orgánico, observando su desempeño en la práctica artística. Esta perspectiva experimental se basa en la transformación de la materia viva desde el lugar de su origen, estimulando la actividad artística con reacciones concatenadas centradas en el proceso mismo, liberada de ciertas preocupaciones estéticas durante la realización de la obra. Con una elevada exigencia respecto a la actuación ética y estética de los materiales, cuyas posibilidades sensitivas y procesuales ofrecen a nivel expresivo una renovación y diversidad de los lenguajes, se fomenta la calidad de los procesos y reivindica la especificidad de este conocimiento. A través de la aplicación práctica de diversas técnicas se construye un modelo procedimental que permite definir metodológicamente las posibilidades de aplicación gráfica del papel hecho a mano como recurso material y creativo en la producción artística.

Explorando el sentido háptico: narrativas digitales y nuevos procesos de creación en el grabado en madera contemporáneo

2024-02-15T12:28:05+01:00

En las últimas décadas se viene produciendo un proceso de actualización en el arte gráfico contemporáneo, impulsado no solo por nuevas técnicas y tecnologías sino también por una concepción más interdisciplinar que responde a las necesidades expresivas de nuestro tiempo y permite profundizar en los aspectos específicos del lenguaje gráfico renovándolo y mostrando toda la potencialidad de este.

Si bien es cierto que muchos artistas han seguido empleando la técnica y el lenguaje característico de la gráfica tradicional, en algunos casos se percibe un cambio sustancial en la forma de entender el grabado, tanto en la manera de concebir la obra como en la ejecución técnica de la misma.

Inmersos en plena vorágine digital, algunos artistas han comenzado a incorporar tecnologías que permiten la obtención de una superficie de estampación sobre la matriz generada a partir del soporte fotográfico de una imagen o un archivo digital, postulando por una gráfica que trasciende lo digital para retornar al mundo tangible y matérico.

La convergencia de lo real y lo virtual se convierte en el paradigma del grabado postdigital, fusionando la precisión con la materialidad y postulando por la supremacía de los parámetros hápticos de la percepción, es decir, el sentido táctil de la experiencia visual en la contemplación de la obra artística, tan implícito en los fundamentos de la gráfica.

Cuando una línea sale a pasear...

2024-01-10T16:17:36+01:00

Investigamos en este artículo la relación entre caminar y dibujar como acciones que presentan múltiples afinidades porque revelan nuestra con-dición existencial espacio-temporal. También nos hacen percatarnos de que vivir es transitar, reco-rrer un camino y dejar una huella. Desde el dibujo como gesto, huella personal y testigo de nuestra interrelación con el ecosistema en el que vivimos, a las caminatas de los Walking-artists donde el gesto se hace dibujo, caminar y dibujar se muestran como actividades impulsadas por un mismo afán de ampliar el horizonte y aprehender nuevos territo-rios tanto físicos como conceptuales. Ambas ponen el cuerpo en movimiento y nos llevan a la toma de conciencia de nuestra unicidad existencial. Son ges-to, recorrido, trayectoria y también conquista, toma de posesión, delimitación. El resultado en ambas crea una línea. Caminar y dibujar son acciones que, al aumentar nuestra conciencia del aquí y ahora y del entorno, pueden llegar a transformar nuestra reflexión estética, ofreciendo un espacio privile-giado para la formación de un pensamiento crítico capaz de dar respuestas éticas y de producir un significativo cambio social, especialmente en esta época de crisis climática.