Transgresión, fusión y posibilidad peligrosa. Las claves gráficas de Ghost in the Shell

Resumen

En 2017 se estrenó Ghost in the Shell. El alma de la máquina (Rupert Sanders, 2017) la versión en imagen real de la película de animación Ghost in the Shell creada por Mamoru Oshii en 1995 a partir del manga de Masamune Shirow Kokaku Kidotai (1989). Si bien el “remake” trataba de homenajear el universo plástico del director y de toda la saga, su planteamiento estético puso de manifiesto algunas diferencias que convertían la nueva propuesta en una versión tecnófoba y pesimista. El motivo es que mientras que esta revisión destaca la esencia humana como rasgo superior, el anime defendía la hibridación cíborg como una actitud revolucionaria y abierta al futuro. Para desarrollar esa mirada optimista Oshii se sirvió de tres claves gráficas que definían el discurso de su película: resaltar los límites transgredidos, representar la fusión de los opuestos y diseñar las posibilidades peligrosas (u oportunidades) que podría traer el porvenir tecnificado. En mi opinión esas tres ideas aparecían ya en una obra anterior a la película de Oshii que miraba al futuro de una forma muy similar: el “Manifiesto cíborg” de Donna Haraway (1991). Este artículo aborda la traducción de esos supuestos teóricos a su representación estética mediante la animación, técnica que ofreció a Oshii las posibilidades con las que crear un univeso irrepetible.